April is the cruelest month, breeding Lilacs out of death land, mixing Memory and desire T.S. Eliot
︎ 22_1.2
a discussion round in the context of the exhibition act 3 at Kreuzbühlstrasse 1 in Zurich
Hosted by Anna-Thea Jaeger
Join the discussion around the current exhibition act 3 by Martina M. Mächler in collaboration with Ludwig Schilling and the building Haus zum Falken.
We have prepared a collection of texts. Please get in touch with us if you wish to access it. The texts serve as food for thought but are not a prerequisite for the discussion. We will serve coffee, tea, and cake. Everyone is welcome to join; no registration is necessary, but please wear a mask.
*
Moderiert von Anna-Thea Jaeger
Eine Diskussionsrunde rund um die aktuelle Ausstellung act 3 von Martina M. Mächler in Zusammenarbeit mit Ludwig Schilling und dem Gebäude Haus zum Falken.
Wir haben eine Sammlung von Texten vorbereitet. Bitte kontaktiert uns, um einen Zugangslink zu erhalten. Die Texte dienen als Denkanstoss, sind aber keine Voraussetzung für die Diskussion. Wir werden Kaffee, Tee und Kuchen servieren. Alle sind herzlich eingeladen an der Diskussion teilzunehmen, aber wir bitten alle eine Maske zu tragen.
Sonntagsgespräch
a discussion round in the context of the exhibition act 3 at Kreuzbühlstrasse 1 in Zurich
Sunday,27.2.2022, from 2pm
Hosted by Anna-Thea Jaeger
Join the discussion around the current exhibition act 3 by Martina M. Mächler in collaboration with Ludwig Schilling and the building Haus zum Falken.
We have prepared a collection of texts. Please get in touch with us if you wish to access it. The texts serve as food for thought but are not a prerequisite for the discussion. We will serve coffee, tea, and cake. Everyone is welcome to join; no registration is necessary, but please wear a mask.
*
Moderiert von Anna-Thea Jaeger
Eine Diskussionsrunde rund um die aktuelle Ausstellung act 3 von Martina M. Mächler in Zusammenarbeit mit Ludwig Schilling und dem Gebäude Haus zum Falken.
Wir haben eine Sammlung von Texten vorbereitet. Bitte kontaktiert uns, um einen Zugangslink zu erhalten. Die Texte dienen als Denkanstoss, sind aber keine Voraussetzung für die Diskussion. Wir werden Kaffee, Tee und Kuchen servieren. Alle sind herzlich eingeladen an der Diskussion teilzunehmen, aber wir bitten alle eine Maske zu tragen.

︎ 21_2.1
Martina M. Mächler in collaboration with Ludwig Schilling
Opening
Friday, 11.2.2022
4pm –– 8pm
Kreuzbühlstrasse 1, Zurich
Open on Friday, Saturdays und Sundays
12 –– 6pm
and by appointment
bird@wasteland.earth
+4176 528 16 23
Can a messenger ever deliver that which cannot be said?
The work of Martina M. Mächler is shown at Wasteland, housed in Haus zum Falken (House of the Falcon). Taking a cue from this creature, this work invites us to view language from a birds eye view, rendering through what Federico Campagna calls “Absolute Language.” When Campagna writes about this absoluteness of words, he describes an attempt to wholly capture the world around us; to relinquish the idea of anything outside of defined words. He places “Absolute Language” in contrast to “the ineffa- ble” - forms of communicating which are able to reconstruct the world around us - to actively shape, and re-shape it’s reality-settings. The ineffable represents ways which escape being captured by descriptive language, negating all attempts to put it into ‘work’”. act 3 begins here, at the throat of the ineffable.
Built in 1819, the rooms housing act 3 will soon be demolished to make way for the construction of a new building at the closing of the exhibition. Upon entering this vanishing space, an encounter is established with five characters. The gooey words of these figures temporarily inhabit the windows that make up the world of the space. The audio-scenography, a collaboration with Ludwig Schilling, transmits sounds of the rain, imitations of memories, and moments of uncanny repetitions. This buzzing communi- cation seeps through the various speakers in the space, suggesting possible encounters. Through sound, text and distance, Mächler fragments the idea of a whole self, into a body comprised of many disparate characters. In this fractured soma which miscommunicates and dissociates from itself, each character acts as a guardian, or bodyguard of sorts. Yet, rather than negate this contradictory self, a mode of polyphonic uttering is embraced. Mächler’s research on trauma and psychological therapy models informs this poetic approach towards bodily communication, to the self and to the outside world. Thus, the permeability of language is discovered when pre-existing vocabularies are questioned, as words meld and sounds fill.
I have met these characters before, although they had different names then. We encountered each other in a classroom for a performance collaboration in 2019. Back then I played the role of a post- woman, a person who delivered their messages. I travelled to meet many guardians. Some lived on theater stages, others gave lecture presentations, and one even taught classes in a school. But there is something you should know about the circumstances under which I could deliver the mail. Delivery was only possible when it rained - when paper was wet and words were blurred. I can’t tell you how many times I packed letters full of tears. It seemed clumsy at first, to deliver when it was most wet, how would anyone decipher what the other was trying to say? Eventually though, I understood the slippery comfort of communicating through rain.
Mächler’s exhibition at Wasteland allows a different way for memories to be deposited. Within the poems housed on the windows, and the audio melting through the speakers, the role of the body is actively considered. Thus to describe the ways that a body might communicate within itself and to the outside world attempts to understand how language often fails, and how an ineffable mode of speaking might sound, feel or look like. The audio-scenography by and with Ludwig Schilling places sound as a generous messenger, and the sculptural textile piece in the entrance of the space could perhaps initiate a return to a shared body. Mächler’s exhibit and audio-scenography is the first spatial staging for a book of poems titled “i left my body behind” which will be published this fall.
Anastasia McCammon
*
Kann ein*e Bot*in jemals das übermitteln, was nicht gesagt werden kann?
Martina M. Mächler’s soundbasierte Inszenierung, in Kollaboration mit Ludwig Schilling erarbeitet, wird bei Wasteland im Haus zum Falken gezeigt. In Anlehnung an dieses Wesen lädt die Ausstellung dazu ein die Vogelperspektive einzunehmen und Ausdrucksweisen durch Federico Campagna’s Konzept der „Absoluten Sprache“ zu betrachten. Wenn Campagna über die Absolutheit der Sprache spricht, beschreibt er den Versuch, die Welt um uns herum vollständig zu erfassen: was sich ausserhalb definierter Begriffe und Messbarkeit befindet, wird Dasein abgesprochen. Als Gegenthese zu „absoluter Sprache“ führt er das „Unaussprechliche/Unbeschreibliche“ auf – Formen der Kommunikation, die in der Lage sind, die Welt um uns herum zu rekonstruieren, sie aktiv zu formen und ihre Realitäten neu zu gestalten. Das Unaus- sprechliche stellt Wege dar, „die von der beschreibenden Sprache nicht erfasst werden können und die sich allen Versuchen entziehen, sie festzulegen“. act 3 beginnt hier, an der Kehle des Unbeschreiblichen.
Das 1819 gebaute Haus, in welchem act 3 stattfindet, wird nach Ausstellungsende abgerissen und durch einen Neubau ersetzt. Zwischenzeitlich kommt es zu einer Begegnung mit fünf Charakteren. Die glibbrigen Worte dieser Figuren füllen vorübergehend die Fenster, die die Welt des Raums bilden. Die Audio-Szenografie, in Zusammenarbeit mit Ludwig Schilling, überträgt Regengeräusche, imitiert Erinnerungen und beinhaltet einstimmende Repetitionen. Diese schwirrende Kommunikation sickert durch die Lautsprecher im Raum und suggereriert mögliche Begegnungen. Durch Klang, Text und Distanz fragmentiert Mächler die Idee eines abgeschlossenen Selbst in einen Körper, der aus disparaten Charak- teren besteht. In diesem zersplitterten Soma, das sich missverständlich ausdrückt und sich von sich selbst distanziert, fungiert jede Figur als eine Art (Leib)wächter*in. Doch anstatt dieses in sich widersprüchliche Selbst zu negieren, wird eine mehrstimmige Äusserungsweise praktiziert.
Ich bin diesen Figuren schon einmal begegnet, auch wenn sie damals andere Namen trugen. Wir begegneten uns in einem Klassenzimmer für eine Performance-Zusammenarbeit im Jahr 2019. Damals spielte ich die Rolle einer Postbotin, einer Person, die Nachrichten überbrachte. Ich reiste herum, um viele Wächter*innen zu treffen. Einige lebten auf Theaterbühnen, andere hielten Vorträge, jemand unterrichtete in einer Schule. Aber es gibt etwas, das Sie über die Umstände wissen sollten, unter denen ich die Sen- dungen zustellen konnte. Die Zustellung war nur dann möglich, wenn es regnete – wenn das Papier nass war und die Worte verschwammen. Ich kann Ihnen nicht sagen, wie oft ich Briefe voller Tränen verpackt habe. Anfangs erschien es mir ungeschickt, die Briefe bei Nässe zuzustellen, denn wie sollte man entzif- fern, was die Absender*innen sagen wollten? Aber schliesslich verstand ich die glitschige Behaglichkeit, die mit der Kommunikation durch den Regen kommt.
Mächlers Ausstellung bei Wasteland ermöglicht eine andere Form Erinnerungen zu deponieren. In den Gedichten, die an den Fenstern angebracht sind, und in den Tönen, die aus den Lautsprechern schallen, kommt die Rolle des Körpers zum Tragen. Die Beschreibung der Art und Weise, wie ein Körper mit sich selbst und der Außenwelt kommuniziert, versucht zu verstehen, wie Sprache oft versagt und wie eine unaussprechliche Art des Sprechens klingen, sich anfühlen oder aussehen kann. Die Audio-Szeno- grafie mit und von Ludwig Schilling stellt den Klang als grosszügigen Boten in den Vordergrund, und die skulpturale Textilarbeit im Eingang des Raumes könnte eine Rückkehr zu einem gemeinsamen Körper einleiten. Mächlers Ausstellung ist die erste räumliche Inszenierung eines Gedichtbandes mit dem Titel „i left my body behind“, der in diesem Herbst erscheint.
Anastasia McCammon (Übersetzung aus dem Englischen)
act 3
Martina M. Mächler in collaboration with Ludwig Schilling
12.2.2022 —27.2.2022
Opening
Friday, 11.2.2022
4pm –– 8pm
Kreuzbühlstrasse 1, Zurich
Open on Friday, Saturdays und Sundays
12 –– 6pm
and by appointment
bird@wasteland.earth
+4176 528 16 23
Can a messenger ever deliver that which cannot be said?
The work of Martina M. Mächler is shown at Wasteland, housed in Haus zum Falken (House of the Falcon). Taking a cue from this creature, this work invites us to view language from a birds eye view, rendering through what Federico Campagna calls “Absolute Language.” When Campagna writes about this absoluteness of words, he describes an attempt to wholly capture the world around us; to relinquish the idea of anything outside of defined words. He places “Absolute Language” in contrast to “the ineffa- ble” - forms of communicating which are able to reconstruct the world around us - to actively shape, and re-shape it’s reality-settings. The ineffable represents ways which escape being captured by descriptive language, negating all attempts to put it into ‘work’”. act 3 begins here, at the throat of the ineffable.
Built in 1819, the rooms housing act 3 will soon be demolished to make way for the construction of a new building at the closing of the exhibition. Upon entering this vanishing space, an encounter is established with five characters. The gooey words of these figures temporarily inhabit the windows that make up the world of the space. The audio-scenography, a collaboration with Ludwig Schilling, transmits sounds of the rain, imitations of memories, and moments of uncanny repetitions. This buzzing communi- cation seeps through the various speakers in the space, suggesting possible encounters. Through sound, text and distance, Mächler fragments the idea of a whole self, into a body comprised of many disparate characters. In this fractured soma which miscommunicates and dissociates from itself, each character acts as a guardian, or bodyguard of sorts. Yet, rather than negate this contradictory self, a mode of polyphonic uttering is embraced. Mächler’s research on trauma and psychological therapy models informs this poetic approach towards bodily communication, to the self and to the outside world. Thus, the permeability of language is discovered when pre-existing vocabularies are questioned, as words meld and sounds fill.
I have met these characters before, although they had different names then. We encountered each other in a classroom for a performance collaboration in 2019. Back then I played the role of a post- woman, a person who delivered their messages. I travelled to meet many guardians. Some lived on theater stages, others gave lecture presentations, and one even taught classes in a school. But there is something you should know about the circumstances under which I could deliver the mail. Delivery was only possible when it rained - when paper was wet and words were blurred. I can’t tell you how many times I packed letters full of tears. It seemed clumsy at first, to deliver when it was most wet, how would anyone decipher what the other was trying to say? Eventually though, I understood the slippery comfort of communicating through rain.
Mächler’s exhibition at Wasteland allows a different way for memories to be deposited. Within the poems housed on the windows, and the audio melting through the speakers, the role of the body is actively considered. Thus to describe the ways that a body might communicate within itself and to the outside world attempts to understand how language often fails, and how an ineffable mode of speaking might sound, feel or look like. The audio-scenography by and with Ludwig Schilling places sound as a generous messenger, and the sculptural textile piece in the entrance of the space could perhaps initiate a return to a shared body. Mächler’s exhibit and audio-scenography is the first spatial staging for a book of poems titled “i left my body behind” which will be published this fall.
Anastasia McCammon
*
Kann ein*e Bot*in jemals das übermitteln, was nicht gesagt werden kann?
Martina M. Mächler’s soundbasierte Inszenierung, in Kollaboration mit Ludwig Schilling erarbeitet, wird bei Wasteland im Haus zum Falken gezeigt. In Anlehnung an dieses Wesen lädt die Ausstellung dazu ein die Vogelperspektive einzunehmen und Ausdrucksweisen durch Federico Campagna’s Konzept der „Absoluten Sprache“ zu betrachten. Wenn Campagna über die Absolutheit der Sprache spricht, beschreibt er den Versuch, die Welt um uns herum vollständig zu erfassen: was sich ausserhalb definierter Begriffe und Messbarkeit befindet, wird Dasein abgesprochen. Als Gegenthese zu „absoluter Sprache“ führt er das „Unaussprechliche/Unbeschreibliche“ auf – Formen der Kommunikation, die in der Lage sind, die Welt um uns herum zu rekonstruieren, sie aktiv zu formen und ihre Realitäten neu zu gestalten. Das Unaus- sprechliche stellt Wege dar, „die von der beschreibenden Sprache nicht erfasst werden können und die sich allen Versuchen entziehen, sie festzulegen“. act 3 beginnt hier, an der Kehle des Unbeschreiblichen.
Das 1819 gebaute Haus, in welchem act 3 stattfindet, wird nach Ausstellungsende abgerissen und durch einen Neubau ersetzt. Zwischenzeitlich kommt es zu einer Begegnung mit fünf Charakteren. Die glibbrigen Worte dieser Figuren füllen vorübergehend die Fenster, die die Welt des Raums bilden. Die Audio-Szenografie, in Zusammenarbeit mit Ludwig Schilling, überträgt Regengeräusche, imitiert Erinnerungen und beinhaltet einstimmende Repetitionen. Diese schwirrende Kommunikation sickert durch die Lautsprecher im Raum und suggereriert mögliche Begegnungen. Durch Klang, Text und Distanz fragmentiert Mächler die Idee eines abgeschlossenen Selbst in einen Körper, der aus disparaten Charak- teren besteht. In diesem zersplitterten Soma, das sich missverständlich ausdrückt und sich von sich selbst distanziert, fungiert jede Figur als eine Art (Leib)wächter*in. Doch anstatt dieses in sich widersprüchliche Selbst zu negieren, wird eine mehrstimmige Äusserungsweise praktiziert.
Ich bin diesen Figuren schon einmal begegnet, auch wenn sie damals andere Namen trugen. Wir begegneten uns in einem Klassenzimmer für eine Performance-Zusammenarbeit im Jahr 2019. Damals spielte ich die Rolle einer Postbotin, einer Person, die Nachrichten überbrachte. Ich reiste herum, um viele Wächter*innen zu treffen. Einige lebten auf Theaterbühnen, andere hielten Vorträge, jemand unterrichtete in einer Schule. Aber es gibt etwas, das Sie über die Umstände wissen sollten, unter denen ich die Sen- dungen zustellen konnte. Die Zustellung war nur dann möglich, wenn es regnete – wenn das Papier nass war und die Worte verschwammen. Ich kann Ihnen nicht sagen, wie oft ich Briefe voller Tränen verpackt habe. Anfangs erschien es mir ungeschickt, die Briefe bei Nässe zuzustellen, denn wie sollte man entzif- fern, was die Absender*innen sagen wollten? Aber schliesslich verstand ich die glitschige Behaglichkeit, die mit der Kommunikation durch den Regen kommt.
Mächlers Ausstellung bei Wasteland ermöglicht eine andere Form Erinnerungen zu deponieren. In den Gedichten, die an den Fenstern angebracht sind, und in den Tönen, die aus den Lautsprechern schallen, kommt die Rolle des Körpers zum Tragen. Die Beschreibung der Art und Weise, wie ein Körper mit sich selbst und der Außenwelt kommuniziert, versucht zu verstehen, wie Sprache oft versagt und wie eine unaussprechliche Art des Sprechens klingen, sich anfühlen oder aussehen kann. Die Audio-Szeno- grafie mit und von Ludwig Schilling stellt den Klang als grosszügigen Boten in den Vordergrund, und die skulpturale Textilarbeit im Eingang des Raumes könnte eine Rückkehr zu einem gemeinsamen Körper einleiten. Mächlers Ausstellung ist die erste räumliche Inszenierung eines Gedichtbandes mit dem Titel „i left my body behind“, der in diesem Herbst erscheint.
Anastasia McCammon (Übersetzung aus dem Englischen)

act 3: starring m, mmm, mar, maa & mae (formerly know as mm03, mm14 & mm21)
with a multi-channel audio-installation.
Exhibition views by Flavio Karrer






prelude
i open the window. no, no window. i open one of the curtain’s segments and step outside. my face finds itself hit by a distant stage light demanding an answer. parts of me drift off and flow behind another segment. we blush and take a deep breath in, in order to deliver the line everyone is expecting to hear. it gets stuck somewhere close to my vocal cords and the choir inhabiting my stomach cannot take over. even what doesn’t have eyes is now looking at me and i join them, seeing myself not moving.
the stage light is slowly focusing the rock, placed in the middle of the stage - uninterested in performing the role of the speaker. my little toe is twitching offside, and a response can be made out through an index finger following the sound that is passing by in circles. a liquid toe chimes in just as the love song vanishes in one of the circular motions. some body is trying to deliver messages, stumbling across the wet floor.
a body’s humming, stretching across the rock’s clean-slippery surface, continues – covering the invisible cracks where algae or moss could have grown. attracted by the rock’s steadiness we decide to lay on it. parts of us jump up slightly, expecting to land softly, but our oily butt cheeks slide down quickly with loud shrieks co-produced by the almost reflecting surface. we slide up again in hope to attach ourselves, repeatedly.







︎ 21_2.1
Anaïs Defago
Opening
12.11.2021
5pm –– 9pm
Kreuzbühlstrasse 1, Zurich
Open on Saturdays
12 –– 5pm
and by appointment
bird@wasteland.earth
+41 76 528 16 23
Two platforms are presented side by side. On each, a diagonal of light separates the shaded and the illuminated parts. Despite its persuasive appearance, at first glance, the absence of strong light, or object that explains this diagonal, reveals it. This light beam is a representation, and its location is an arbitrary choice of the artist. The meticulous gestures of the artist and the convincing materiality of these objects that mimic their authentic counterparts (the structures, made of fiberglass, are modelled on concrete benches of Vidy, in Lausanne) confront each other with the decision to represent a part of the surface on which the light plays. The artist’s observations on the effect of light, a recurrent emblem in art history, is thus reduced to a gesture of formal selection. The luminous demarcation is a trompe l’oeil which does not try to convince completely, an aesthetic production which does not satisfy its ambitions. Its iteration in space also repeats its false promises: the observation of the two works, with their small variations, offers no additional information. Its repetition undermines any possible epistemic quality: the work says nothing in relation to a real or metaphorical situation, frustrating both its minimalist literalness and its narrative as a form extracted from an urban environment.
The purity in the gray color of reinforced concrete, in addition to its dense materiality, gives the structure a minimalist connotation; a kind of Ralph Humphrey made urban furniture. Donald Judd, in his review of Humphrey’s exhibition at the Tibor de Nagy Gallery in 1960, praises the way his pictorial texture causes an effect of « unique immediacy coexisting with generality.» The painterly craftsmanship of the work recalls Robert Mangold’s «matter of fact» paint application that borrows from the industrial environment of 1960s New York. In the case of Anaïs Defago, the return to naturalism insists instead on capturing these forms in an affec- tionate relationship to these structures, whose anonymity suggests a different relationship than that present in Valentin Carron’s cultural reconstructions. Without adopting a social critique, they present themselves as snapshots of the artist’s subjectivity shared in the public space, as if these false replicas were just as much real reproductions of an affective relationship to these everyday objects.
This relationship contrasts with its semblance of formal austerity. A first grim aspect then lets appear a shy melancholy which tries to preserve places threatened by a smooth aesthetic à
la Google, where everything is well lit, comfortable and technologically monitored. These two islands are then presented as non-productive corners of life outside any promise of efficiency, vulgar places to be preserved.
Paolo Baggi (Text translated from French)
*
Deux plateformes sont présentées côte-à-côte. Sur chacune, une diagonale de lumière sépare une partie ombragée et une autre illuminée. Malgré son aspect à première vue convaincant, l’absence de lumière forte ou d’objet qui explique cette diagonale le révèle : ce faisceau lumineux est une représentation et son emplacement un choix arbitraire de l’artiste. La gestuelle minutieuse de l’artiste et la matérialité convaincante de ces objets qui miment leurs authentiques semblables (les structures, réalisées en fibre de verre, sont calquées sur des bancs en béton de Vidy, à Lausanne) se confrontent avec la décision arbitraire de représenter une partie de la surface sur laquelle la lumière agit. La qualité d’observation de l’artiste des effets de la lumière, emblème récurrent de l’histoire de l’art, se réduit ainsi à un geste de sélection formelle. La démarcation lumineuse est un trompe l’œil qui ne cherche pas à convaincre tout à fait, une production esthétique qui ne satisfait pas ses ambitions. Son itération dans l’espace répète par ailleurs ses promesses déçues: l’observation des deux œuvres, avec leurs petites variations, n’offre aucune information supplémentaire. Sa répétition sape toute possible qualité épistémique : l’œuvre ne dit rien par rapport à une situation réelle ou métaphorique, frustrant à la fois sa littéralité minimaliste et sa narration en tant que forme extirpée d’un environnement urbain.
La pureté de la couleur grise d’un béton armé en addition d’une matérialité épaisse donne
à la structure une connotation minimaliste, une sorte de Ralph Humphrey fait mobilier urbain. Donald Judd, dans sa critique de l’exposition de Humphrey à la Tibor de Nagy Gallery en 1960, fait l’éloge de la manière dont sa texture picturale cause un effet d’“ immédiateté unique coexistante avec la généralité ”. La qualité d’artisanat pictural de l’œuvre rappelle l’application de peinture “ matter of fact ” de Robert Mangold qui emprunte à l’environnement industriel de New-York des années 1960. Dans le cas d’Anaïs Defago, le retour à un naturalisme insiste plutôt sur la captation de ces formes dans un rapport affectueux vis-à-vis de ces structures, dont l’anonymat suggère une autre relation que celle présente dans les reconstitutions culturelles
de Valentin Carron. Sans adopter une critique sociale, elles se présentent en tant qu’instantanés de la subjectivité de l’artiste partagés dans l’espace public, comme si ces fausses copies étaient tout autant de vraies reproductions d’un rapport affectif à ces objets du quotidien.
Ce rapport contraste avec son semblant d’austérité formelle. Un premier aspect maussade laisse alors apparaître une mélancolie timide qui s’attache à conserver des lieux menacés par une esthétique lisse à la Google, où tout est bien éclairé, confortable et contrôlé technologi- quement. Ces deux îlots se présentent alors comme des recoins de vie non-productifs en dehors de toute promesse d’efficacité, des lieux vulgaires à préserver.
Text by Paolo Baggi
MINUIT SOLEIL
Anaïs Defago
13.11.2021 —24.12.2021
Opening
12.11.2021
5pm –– 9pm
Kreuzbühlstrasse 1, Zurich
Open on Saturdays
12 –– 5pm
and by appointment
bird@wasteland.earth
+41 76 528 16 23
Two platforms are presented side by side. On each, a diagonal of light separates the shaded and the illuminated parts. Despite its persuasive appearance, at first glance, the absence of strong light, or object that explains this diagonal, reveals it. This light beam is a representation, and its location is an arbitrary choice of the artist. The meticulous gestures of the artist and the convincing materiality of these objects that mimic their authentic counterparts (the structures, made of fiberglass, are modelled on concrete benches of Vidy, in Lausanne) confront each other with the decision to represent a part of the surface on which the light plays. The artist’s observations on the effect of light, a recurrent emblem in art history, is thus reduced to a gesture of formal selection. The luminous demarcation is a trompe l’oeil which does not try to convince completely, an aesthetic production which does not satisfy its ambitions. Its iteration in space also repeats its false promises: the observation of the two works, with their small variations, offers no additional information. Its repetition undermines any possible epistemic quality: the work says nothing in relation to a real or metaphorical situation, frustrating both its minimalist literalness and its narrative as a form extracted from an urban environment.
The purity in the gray color of reinforced concrete, in addition to its dense materiality, gives the structure a minimalist connotation; a kind of Ralph Humphrey made urban furniture. Donald Judd, in his review of Humphrey’s exhibition at the Tibor de Nagy Gallery in 1960, praises the way his pictorial texture causes an effect of « unique immediacy coexisting with generality.» The painterly craftsmanship of the work recalls Robert Mangold’s «matter of fact» paint application that borrows from the industrial environment of 1960s New York. In the case of Anaïs Defago, the return to naturalism insists instead on capturing these forms in an affec- tionate relationship to these structures, whose anonymity suggests a different relationship than that present in Valentin Carron’s cultural reconstructions. Without adopting a social critique, they present themselves as snapshots of the artist’s subjectivity shared in the public space, as if these false replicas were just as much real reproductions of an affective relationship to these everyday objects.
This relationship contrasts with its semblance of formal austerity. A first grim aspect then lets appear a shy melancholy which tries to preserve places threatened by a smooth aesthetic à
la Google, where everything is well lit, comfortable and technologically monitored. These two islands are then presented as non-productive corners of life outside any promise of efficiency, vulgar places to be preserved.
Paolo Baggi (Text translated from French)
*
Deux plateformes sont présentées côte-à-côte. Sur chacune, une diagonale de lumière sépare une partie ombragée et une autre illuminée. Malgré son aspect à première vue convaincant, l’absence de lumière forte ou d’objet qui explique cette diagonale le révèle : ce faisceau lumineux est une représentation et son emplacement un choix arbitraire de l’artiste. La gestuelle minutieuse de l’artiste et la matérialité convaincante de ces objets qui miment leurs authentiques semblables (les structures, réalisées en fibre de verre, sont calquées sur des bancs en béton de Vidy, à Lausanne) se confrontent avec la décision arbitraire de représenter une partie de la surface sur laquelle la lumière agit. La qualité d’observation de l’artiste des effets de la lumière, emblème récurrent de l’histoire de l’art, se réduit ainsi à un geste de sélection formelle. La démarcation lumineuse est un trompe l’œil qui ne cherche pas à convaincre tout à fait, une production esthétique qui ne satisfait pas ses ambitions. Son itération dans l’espace répète par ailleurs ses promesses déçues: l’observation des deux œuvres, avec leurs petites variations, n’offre aucune information supplémentaire. Sa répétition sape toute possible qualité épistémique : l’œuvre ne dit rien par rapport à une situation réelle ou métaphorique, frustrant à la fois sa littéralité minimaliste et sa narration en tant que forme extirpée d’un environnement urbain.
La pureté de la couleur grise d’un béton armé en addition d’une matérialité épaisse donne
à la structure une connotation minimaliste, une sorte de Ralph Humphrey fait mobilier urbain. Donald Judd, dans sa critique de l’exposition de Humphrey à la Tibor de Nagy Gallery en 1960, fait l’éloge de la manière dont sa texture picturale cause un effet d’“ immédiateté unique coexistante avec la généralité ”. La qualité d’artisanat pictural de l’œuvre rappelle l’application de peinture “ matter of fact ” de Robert Mangold qui emprunte à l’environnement industriel de New-York des années 1960. Dans le cas d’Anaïs Defago, le retour à un naturalisme insiste plutôt sur la captation de ces formes dans un rapport affectueux vis-à-vis de ces structures, dont l’anonymat suggère une autre relation que celle présente dans les reconstitutions culturelles
de Valentin Carron. Sans adopter une critique sociale, elles se présentent en tant qu’instantanés de la subjectivité de l’artiste partagés dans l’espace public, comme si ces fausses copies étaient tout autant de vraies reproductions d’un rapport affectif à ces objets du quotidien.
Ce rapport contraste avec son semblant d’austérité formelle. Un premier aspect maussade laisse alors apparaître une mélancolie timide qui s’attache à conserver des lieux menacés par une esthétique lisse à la Google, où tout est bien éclairé, confortable et contrôlé technologi- quement. Ces deux îlots se présentent alors comme des recoins de vie non-productifs en dehors de toute promesse d’efficacité, des lieux vulgaires à préserver.
Text by Paolo Baggi

Exhibition views by Max Ehrengruber











︎ 21_1.1
Jennifer Merlyn Scherler
The video work, which is a follow up on the collaboration for Residency Dienerstrasse last autumn, is a performative work exploring online (in)visibility of sex workers and and the entanglement of internet worlds and realities.
To accompany the virtual world expansion and lecture madness you can sign up for a LIMITED EDITION MULTI-SENSORIAL HOME EXPERIENCE GOODIE PACKAGE to provide some grounding: put togehter with loving hands by the artist. Send us your address until Wednesday, 17.03.2021, via bird@wasteland.earth to get yours.
Find the video script here.
MY INTERNET IS NOT YOUR INTERNET BUT MY REALITY
Jennifer Merlyn Scherler
ONLINE VIDEO PREMIER
24.03.21, 8 pm
The video work, which is a follow up on the collaboration for Residency Dienerstrasse last autumn, is a performative work exploring online (in)visibility of sex workers and and the entanglement of internet worlds and realities.
To accompany the virtual world expansion and lecture madness you can sign up for a LIMITED EDITION MULTI-SENSORIAL HOME EXPERIENCE GOODIE PACKAGE to provide some grounding: put togehter with loving hands by the artist. Send us your address until Wednesday, 17.03.2021, via bird@wasteland.earth to get yours.
Find the video script here.
